martes, 30 de agosto de 2016

LAS FLORES EN LA PINTURA


 A   través de los siglos, muchos artistas se han visto obligados a pintar flores,

debido a su belleza seductora. Pero esta no es la razón exclusiva para que los artistas eligen pintar flores. La flor como simbolismo se ha utilizado en pinturas durante muchos años para transmitir significados específicos, emociones y sentimientos.     

Los artistas japoneses pintan la flor del cerezo ya que durante tres semanas del año en Japón y durante este tiempo su belleza magnífica apodera del paisaje. 

La belleza efímera de los cerezos en flor representa la brevedad de la vida y su color la sencillez y la pureza.

 Vincent Van Gogh inmortalizó el girasol pues tenía para él un profundo significado. Pintó una serie de girasoles en las diferentes etapas de la vida. El vibrante color amarillo del girasol en pleno florecimiento simbolizaba felicidad . Sin embargo, los marrones contrastan áridos utilizados para pintar la muerte de girasol. Al utilizar el girasol fue capaz de transmitir el ciclo natural de la vida y la muerte.

Georgia O'Keefe es el más famoso por sus obras de arte floral. Sus pinturas eran vibrantes y su percepción de las flores fue excepcional. Muchos creen que sus pinturas de flores son el símbolo de la sexualidad. Algunos creen que ha utilizado la flor de transmitir el ciclo de la vida. Ella reconoció que la mayoría de la gente no tiene tiempo para mirar una flor y realmente apreciamos su belleza. Así que ella pintó la flor con colores llamativos para mostrarles las maravillas de la naturaleza. Dijo una vez: "Voy a hacer que los neoyorquinos aún ocupado tomar el tiempo para ver lo que yo veo de las flores".     

Para Claude Monet, los lirios de agua tenían un significado profundo. Al principio solía pintar lirios de agua para explorar los efectos de la luz sobre la naturaleza durante todo el día. Después de la muerte de su segunda esposa, Alice Hoschedé, creó Los Grandes Decoraciones. Estas pinturas simbolizan el amor que una vez compartieron y la maravillosa relación que tenían juntos. Él usó las reflexiones de los lirios de agua para emular el amor que sentía por Alice. Los lienzos enormes cubrir dos salas ovales para significar el amor eterno Monet compartida con Alice.

 Salvador Dalí fue un artista muy talentoso y fue capaz de expresarse a través del surrealismo. Su interpretación de la flor se pintó en su propio estilo. "Figura femenina con cabeza de flores" utiliza las flores para representar el disgusto Dalí tenía para la gente rica que favorecieron el grupo surrealista. Rosas aparecen en varios de sus cuadros las utilizó para representar el símbolo sexual femenino.          

viernes, 26 de agosto de 2016

LOS AFILADORES


   Trabajar como afilador  fue una de las modalidades que adoptó parte de la emigración gallega, que salió en busca de un mejor futuro económico, que en su tierra no podía encontrar.
La mayoría de la los afiladores, salieron de la provincia de Orense y mas precisamente del ayuntamiento de Nogueira de Ramuin.
Fue un oficio muy especial, pues el afilador llevaba consigo todo lo necesario para ejercer su oficio.  Lo realizaba yendo de aquí para allá, siempre caminando detrás de su rueda de afilar, o a veces, montado en una bicicleta. Hasta que la modernidad y el desarrollo tecnológico, no lo convirtieron en un oficio prácticamente extinguido  (al menos en su forma tradicional), muchos gallegos encontraron en él, un medio de vida.
Casi siempre lo realizaron en tierras lejanas, como el resto de España, y otros que fueron aún más lejos y llegaron a América, donde hubo gran cantidad de afiladores en los grandes centros urbanos de Argentina, Uruguay, Venezuela, Cuba, etc.

 Ellos, como los viejos oficios medievales, e incluso llegaron a crear un idioma propio, como fue el Barallete. Una especie de jerga de grupo, que lo usaban solo para hablar entre ellos y que les servia para preservar los secretos de su oficio. El afilador llegó a tener una aureola folklórica y  de cierto romanticismo, y fue motivador de mucha literatura e inspirador  de muchos temas musicales.

Hace unos días bajo mi ventana escuché su armónica y fui presto con mis tijeras a que las afilara y por fin las podría utilizar…

 

                                       Bajada de la red


lunes, 22 de agosto de 2016

EL LIBRO DE TOTH


Numerosos relatos  aluden a este manuscrito, es imposible tener un dato que resulte certero y nadie hasta ahora ha ofrecido pruebas contundentes de la existencia de este libro. Sin embargo, hay algunas pistas que nos permitan saber qué es este libro y por qué ha sido tan importante.

La creación de este manuscrito se remonta a la antigua cultura egipcia, algunos afirman que es incluso previo a los egipcios, aproximadamente unos 10,000 o 20,000 años antes de nuestra era; se dice que fue obra de Toth, un escribano egipcio que alcanzó tal nivel de conocimiento que se convirtió en el dios de la sabiduría, gobernó sobre todos los dioses egipcios e inventó la escritura, por tal motivo se le representaba como un ser humano con cabeza de ibis, con una pluma de caña en una mano y en la otra una paleta con la tinta que utilizaba para escribir sobre el pergamino. Toth o Tot, plasmó en los cerca de 20,000 volúmenes que componen el libro todos sus conocimientos, las fórmulas mágicas para poder hablar con los animales, resucitar a los muertos, controlar cualquier fenómeno de la naturaleza y, en general, todo aquél que lo poseyese tendría un poder ilimitado.

Durante la Edad Media la posesión del libro haya sido motivo de persecución, condena y muerte y el libro quemado.
El Tarot ha estado sujeto a una serie de estudios, tampoco ha sido posible determinar la veracidad de las palabras de Gébelin. Lo único que se puede afirmar es que el Libro de Toth está rodeado de misterio que quizá nadie podrá desentrañar mientras no se encuentre al menos una copia.

viernes, 19 de agosto de 2016

UN AÑO DE EFEMÉRIDES


En estos doce meses se celebrarán los 400 años de la muerte de Shakespeare y Cervantes, pero también el bicentenario de la creación de Frankenstein, del nacimiento de Charlotte Brontë y el centenario de Rubén Darío, entre muchos otros acontecimientos. Muchos de ellos abandonaron este mundo o bien llegaron a él un tal año como éste.

Los poemas de Rubén Darío no han perdido su fuerza y, en homenaje a su palabra escrita, diversas ciudades del mundo, principalmente su Nicaragua natal, le honran estos días con motivo del centenario de su muerte. El llamado "príncipe de las letras", máximo representante del modernismo literario iberoamericano, murió el 6 de febrero de 1916.

Henry James, quien, a pesar de su origen norteamericano, vivió gran parte de su vida en Europa. Conocido por abordar a sus personajes desde un análisis psicológico en novelas como Las alas de la paloma,Otra vuelta de tuerca y Lo que Maisie sabía.
 Sholem Aleijem 1.916. Escribió en yiddish novelas, cuentos, obras de teatro y relatos infantiles (fue uno de los primeros en hacerlo). Sus obras han sido ampliamente traducidas y el musical El violinista en el tejado (1964), basado en las historias de Aleijem sobre el personaje del lechero Tevye, fue la primera obra de teatro comercialmente exitosa que trató sobre la vida de un trabajador judío en la Europa del Este.
Georges Lacombe le seguiría a Aleijem en su viaje hacia el más allá ese mismo año (falleció el 29 de junio). Formado en la Academia Julian junto a impresionistas como Alfred Roll y Henri Gervex, Lacombe pasó a formar parte rápidamente del grupo de artistas Les Nabis. Se convirtió en el principal escultor de esta agrupación de franceses de finales del siglo XIX, que se caracterizaban por su preocupación por el color.

 Hector Hugh Munro, escritor, novelista y dramaturgo británico conocido por el pseudónimo literario de Saki. Sus cuentos recrearon irónicamente la sociedad y la cultura victorianas en que vivió. Saki expresó, en alguna ocasión, reflexiones relacionadas con el paso del tiempo: "El joven tiene aspiraciones que nunca pasarán, el viejo tiene reminiscencias de lo que nunca sucedió".

 El escritor polaco Henryk Sienkiewicz, premio Nobel de Literatura en 1905 (el quinto que se otorgó en la historia del galardón y el primero destinado a un autor de Europa Oriental). "Para donde quiera que el hombre contribuya con su trabajo, deja también algo de su corazón.
Jack London, autor de Colmillo blanco, La llamada de lo salvaje, El talón de hierro.
El escritor Giorgio Bassani, famoso por sus Novelas de Ferrara, y, una semana después, el 11, era el turno del literato español Camilo José de Cela Novelista, periodista, ensayista, editor de revistas literarias y académico de la Real Academia Española durante 45 años, Cela fue galardonado, entre otros, con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1987, el Premio Nobel de Literatura en 1989 y el Premio Cervantes en1995.

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jueves, 18 de agosto de 2016

P. RENOIR

Pierre-Auguste Renoir nació en 1841 fue un pintor francés impresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas.
Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet o Van Gogh Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante  como Watteau.
Renoir encontró una gran fuente de inspiración en el Louvre y particularmente en el trabajo de Eugène Delacroix. La muerte de Delacroix,  hizo comprender a la joven generación de artistas franceses la importancia que para ellos tenía la pintura del gran romántico.
En 1863, un importante acontecimiento sacudió la vida artística de la capital francesa. Por orden de Napoleón III se abrió, al margen del Salón de París oficial, el Salón de los Rechazados en donde Almuerzo sobre la hierba de Édouard Manet causó un gran impacto.  A mediados de la década de 1860 Manet frecuentaba el Café Guerbois, sobre la calle Grande-des-Batignolles (actual avenida de Clichy). La presencia de Manet atrajo al Guerbois a artistas, escritores. Hasta allí llegaron también Renoir y sus amigos. La obra de Renoir durante esta década se enmarca lo que se conoce como el «período ingresco». Se trata de una tendencia perceptible en todos sus cuadros de esta etapa: un dibujo más limpio y un trazado de mayor precisión, con una clara plasticidad.
En 1881 y 1882, Renoir cambió muchas veces de lugar de trabajo, los que quedarían plasmados en sus pinturas como paisajes. Continuaría pintando sobre las márgenes de Sena. Viajó a Inglaterra, Italia y Argelia cuyos paisajes los reflejó en sus lienzos.
El artista contrajo matrimonio con Aline  y tuvieron tres hijos.
El pintor nunca disfrutó de muy buena salud. En sus cartas se encuentran frecuentes menciones a enfermedades respiratorias, que lo mantuvieron largo tiempo postrado en la cama. En una caída de su bicicleta  se fracturó el brazo derecho. Afortunadamente, como consecuencia de una fractura anterior, el artista ya había aprendido a pintar con la mano izquierda.
 Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. París, Londres y Nueva York fueron escenarios de exposiciones que coronaron el triunfo de su pintura. Con los años, se arraigó en él el gusto por una pintura decorativa, inspirada en los grandes italianos.
En 1915, la muerte de Aline sumió a Renoir en la soledad y falleció víctima de una neumonía en el Domaine des Collettes  en 1919.
 
 

martes, 16 de agosto de 2016

LA ESPADA TAKOUBA

                                       
Es la espada tradicional tuareg, todavía en uso en la década de 1980, y hoy fundamentalmente reservada para festividades y ceremonias, fue una espada de hechura europea que fue introducida en la región durante la segunda mitad del siglo XIV. Importada por mercaderes árabes y fabricada en Italia, España y Alemania,  después fraguada por forjadores tuareg, pero la mayoría de ellas continuaría procediendo de Europa hasta el siglo XIX, fundamentalmente de las fábricas espaderas de Solingen.

Las tribus e individuos más dotados para las artes marciales eran muy apreciadas. Armados de lanzas y dardos o jabalinas, arcos y flechas, escudos y su famosa  espada takouba, cargaban frontalmente a lomos de sus mehari entonando cánticos y gritando.

Esta forma de lucha, con un componente ritual importante, tuvo durante siglos gran éxito. Debido al conocimiento del terreno en el que se desplazaban, y a su estilo de vida nómada, podían movilizarse, atacar, saquear y esfumarse con gran rapidez.


                                      Bajada de la red.

domingo, 14 de agosto de 2016

DULCES PENSAMIENTOS


ALFONSINA STORNI


Alfonsina Storni (Capriasca Suiza 29 de mayo de 1892 Mar del PlataArgentina 25 de octubre de 1938 fue una poetisa y escritora argentina del modernismo.

Storni ejerció como maestra en diferentes establecimientos educativos y escribió sus poesías y algunas obras de teatro durante este período. Su prosa es feminista, y según la crítica, posee una originalidad que cambió el sentido de las letras de Latinoamérica. Otros dividen su obra en dos partes: una de corte romántico, que trata el tema desde el punto de vista erótico y sensual y muestra resentimiento hacia la figura del varón, y una segunda etapa en la que deja de lado el erotismo y aborda el tema desde un punto de vista más abstracto y reflexivo.La clasifican a partir de Ocre rasgos de vanguardismo y recursos como el antisoneto (soneto en verso blanco). Sus composiciones reflejan, además, la enfermedad que padeció durante gran parte de su vida y muestran la espera del punto final de su vida, expresándolo mediante el dolor, el miedo y otros sentimientos.

Fue diagnosticada con cáncer de mama, del cual fue operada. A pedido de un medio periodístico se realizó un estudio de quirología, cuyo diagnóstico no fue acertadocausándole una depresión.

Se suicidó en Mar del Plata arrojándose de la escollera del Club Argentino de Mujeres. Alfonsina consideraba que el suicidio era una elección concedida por el libre albedrío, y así lo había expresado en un poema dedicado a su amigo y amante, el también poeta suicida Horacio Quiroga. Hay versiones románticas que dicen que se internó lentamente en el mar; algunas de esas versiones sirvieron para componer la canción «Alfonsina y el mar», basada enteramente en como se suicidó Alfonsina. Su cuerpo fue velado inicialmente en esa ciudad balnearia y finalmente en Buenos Aires. Actualmente sus restos se encuentran enterrados en el Cementerio de la Chacarita.

 

viernes, 12 de agosto de 2016

CUATRO LAGUNAS Y UN RÍO


El río Duero nace en los Picos de Urbión, en su primer trayecto recorre diversos parajes donde en su comienzo le acompañan cuatro lagunas misteriosas.

La más conocida es la Laguna Negra por su leyenda que recogió Antonio Machado; con ello contribuyó a su divulgación internacional.

La Laguna Helada se halla en una altitud cercana a los dos mil metros, aquí podemos contemplar un glaciar de circo.

La Laguna Larga se abastece del mismo Pico Urbión que accede a ella en forma de cascada.

En el pueblo de Vinuesa existía un glaciar que atravesaba la Laguna  Helada y la Laguna Negra, hoy es el curso del río Revinuesa que desemboca en el Duero y éste abastece el embalse de la Cuerda del Pozo.

Aquí se disfruta del valle Revinuesa que a través de su recorrido obtenemos información sobre su formación geológica y su flora.

Los bosques de pinos, hayas y robles se extienden por los alrededores acentúan la magia del lugar.

En invierno se encuentran cubiertas por una capa de hielo contribuye a guardar los misterios que atesoran.

Todas estas maravillas naturales están protegidas por el Estado.

El Parque Natural de “Laguna Negra y circos glaciares de Urbión” y su incorporación a la Red Natura 2000.

El río sigue su curso bañando la provincia de Soria cuando llega a S. Esteban de Gormaz da nombre a la denominación de origen del vino “Ribera del Duero” que se extiende hasta Valladolid.


 
                               

 

lunes, 8 de agosto de 2016

B. MORISOT



Berthe Morisot nació  en el seno de una familia burguesa  en Bourges.A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot importante paisajista de la Escuela de Barbizon, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos.

Morisot decidió ser una artista a pesar de su condición de gran dama, de mujer burguesa, urbana e interesada por la moda y la activa vida cultural de la época,  adoptando una postura muy radical que la vincularía al grupo de artistas impresionistas, la vanguardia del momento.

 Adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista, en la que participó con La cuna.

En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que sería posteriormente los impresionistas.

Morisot, junto a Camille Pissarro, fueron los dos únicas pintoras que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales. Asimismo, Berthe fue la modelo de Manet tanto en diversos e importantes retratos como en su obra de gran formato El Balcón, donde el pintor francés da cuenta de su admiración por la obra de Goya, tratanto el mismo tema de su "Majas en el balcón".

Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas).

 Sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos. Edgar Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras de caballos, desnudos femeninos y a la propia Berthe durante su etapa de formación, pasada como "copista" de los grandes maestros en el Louvre. Claude Monet pintaba los nenúfares de su jardín, a sus hijos, etc. La figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó ensombrecida por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos.

 La influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos. En 1892 la galería Boussod-Valadon le dedica una exposición que tuvo un gran éxito.

La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet, y  la de su esposo, Eugène Manet,  y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé. Murió el 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio de Passy en París.

 

 

B. MORISOT


sábado, 6 de agosto de 2016

EL LABERINTO DE CHARTRES


  La catedral de Chartres ha llamado  la atención a lo largo de su historia. Es un depósito de reliquias sagradas. La historia de que la catedral está construida sobre un antiguo templo druida, erigido en honor de la” Virgo Paritura ” (La Virgen que concebirá) es incorrecta.

  Recientes excavaciones arqueológicas han demostrado que la catedral se superpone a la alineación y los cimientos de anteriores edificios romanos. El laberinto del pavimento situado en la nave de la catedral. La información publicada acerca de este laberinto esté llena de confusión, suposiciones y fantasía.

La catedral de Chartres es un edificio de trabajo y un lugar de culto. Normalmente, la nave de la catedral está llena de sillas y una gran parte del laberinto queda tapado por ellas. Sin embargo, es tradición desde hace tiempo quitar las sillas y descubrir el laberinto, para que pueda ser recorrido, en el día de San Juan, el 24 de Junio. En los últimos años las autoridades de la catedral también han promovido un programa para descubrir el laberinto de forma regular todos los viernes durante los meses de verano por lo general desde Semana Santa hasta Septiembre este programa está siempre sujeto a cambios y servicios especiales.

  El laberinto tuvo que ser construido a principios de la primera década del siglo XIII, ya que su posición es parte integral del diseño geométrico de la catedral.

  Todo lo que queda de la placa de bronce o cobre que antiguamente decoraba el centro del laberinto de la Catedral de Chartres son los talones desgastados de los remaches. Sabemos a partir de una descripción de la placa de alrededor de 1640 (Chaliline, 1918), que llevaba una representación del combate entre Teseo y el Minotauro. Sin embargo, no disponemos de un plano o esquema de la disposición de su diseño. Seguramente habría sido similar a las representaciones de esta escena encontradas en manuscritos de esa época decorados con laberintos, o en el centro de los laberintos de las catedrales italianas del siglo XII. La placa fue eliminada en 1792, supuestamente para ser fundida y reutilizada en la fabricación  de los cañones para el ejército de la recién fundada República Francesa.

  El laberinto de Chartres es el halo de la ornamentación que rodea el circuito exterior del laberinto. Se refieren a este sistema único de “lunaciones.” Este término sugiere un significado simbólico.

  

FLOR Y FRUTO